Стили в искусстве

image_04

Категория стиля настолько универсальна, что всю историю мирового искусства можно рассматривать как историю художественных стилей.
Стиль – не постоянная , но живая структура, существующая во времени и представлении о нем. Стили в искусстве не имеют четких границ, они переходят один в другой и находятся в непрерывном развитии, смешении и противодействии. Внутри одного художественного стиля всегда зарождается новый, а тот в свою очередь, переходит в следующий. Многие стили сосуществуют одновременно и поэтому зачастую говорить о «чистом» стиле не представляется возможным.

Искусства существуют «параллельно» материальному миру, а иногда и вне времени и пространства. Это объясняет, по мнению ряда теоретиков, почему эпоха Возрождения в искусстве отражает не реальную, а вымышленную, идеализированную ситуацию в обществе того времени, а эпоха барокко совсем не исчерпывает широкий спектр идей XVII столетия. Хотя кто из этих теоретиков бродил по улочкам средневековой Флоренции? Чаще всего их измышления представляют собой тоже акт искусства, — искусства интерпритацииЙ Лишь говоря об области творческой деятельности, теснее всего смыкающейся с материальной жизнью – прикладном искусстве, традиционных художественных ремеслах, дизайне – большинство теоретиков согласно считать их отражением времени и места своего рождения. Я держусь иной точки зрения: во-первых деление искусств на чистое и прикладное не выдерживает никакой критики ибо не обладает критерием границы первого и второго; во- вторых, рискну предположить, что чистого искусства не существует вовсе, и более того, — вся история изобразительных искусств, с сегодняшней точки зрения, может быть объединена под заглавием «История Дизайна», если придать, наконец, должное значение понятию «ДИЗАЙН СРЕДЫ». При этом спор о том отражает или не отражает подлинное искусство жизнь эпохи, особенности исторического этапа развития общества теряет всякий смысл ( кроме философского). И, к сожалению для нас, живущих в начале XXI столетия, по-видимому, — отражает.
Иными словами, нужно признать, что внешние, социальные факторы, безусловно, влияют на внутреннюю логику зарождения, развития и периодической смены художественных направлений, течений, стилей. Так ребенок едущий на карусельной лошади, безусловно, считает себя ловким наездником, не понимая связи его самого, вверенной ему лошади, карусели, мотора этой карусели с остальным миром и, и главное,- зависимости от этого мира. Правда ребенок и не желает обо всем этом знать. Это роднит его со многими деятелями искусства. Когда мир снимает наездника с карусели, наездник плачет. Здесь нужно оговориться: когда речь не идет о т.н. Большом стиле (кроме периода его зарождения). (N.B. Во избежание путаницы, следует сразу заявить , что в данной статье под термином «БОЛЬШОЙ СТИЛЬ» мы будем понимать не стилистическое направление эпохи Людовика XIV, а стиль, на самом деле заслуживающий наименование БОЛЬШОГО (Основного), т.е . такой стиль, который включает в себя не одно стилистическое направление и погибая, или развиваясь, способен синтезировать новые направления на своей основе. Для примера: если КЛАССИЦИЗМ, без всякого сомнения, яыляется БОЛЬШИМ СТИЛЕМ, то БИДЕРМЕЙЕР, воспринянявший классицисскую эстетику через эстетику ампира и переработавший последнюю в усладу бюргеру. таковым не может являться и не является, Даже РОКОККО, с нашей точки зрения, не является БОЛЬШИМ СТИЛЕМ, а лишь своеобразным декадансом, следствием гибели БОРОККО на фоне специфических морально-интеллектуальных проблем первой трети XVIII века. Генезис Большого стиля несомненно сложен, хотя уверен,- вполне подвержен анализу, что впрочем,- не является нашей задачей сегодня. Стиль в отличие от индивидуального вдохновения не может быть абсолютно свободен от влияния места и времени, а направления и течения чаще всего напрямую связаны с общественной ситуацией, иногда почти незримо, иногда – очевидно.
По видимому под понятием «СТИЛЯ» следует понимать единство, целостность содержательных и формальных элементов, участвующих в создании художественного произведения. В художественном стиле все элементы не случайны, а связаны между собой. Чаще всего стиль есть исторический синтез образных представлений идеального мира. Поэтому, например, сами по себе понятия «реализм» или «модернизм», не могут быть названием стиля. Добавлю, что, чем выше явность, чистота логических связей между элементами произведения, тем выше стилевое качество произведения искусства.
За всю историю изобразительного искусства, а эта история не короче истории человечества, сформировались сотни стилей, включая их географические, национальные, исторические разновидности, их подробное исследование не возможно в рамках данного текста и не является целью его написания. Далее будут кратко рассмотренны стили таких исторических эпох, как античность, Средние века, Возрождение и Новое время, и на их примере можно будет попутно попытаться оценить роль различных факторов на формирование и трансформацию стилей. Мы не будем погружаться в детальные исследования, но попытаемся обозначить основные закономерности в развитии и собственно художественные особености. За исключением пещерного периода разговор о художественных стилях логично начинать с архитектуры (дизайна жилища): человек сначала строит дом Богу и себе, а затем уже развешивает в этом доме картины и задумывается в каком сюртуке он завтра отправится на скачки.Впрочем, и пещерный период развития человечества не обделен вниманием человека к Дизайну в том широком, смысле этого понятия, о котором мы упоминали выше. Важность этой небольшой популярной статьи вижу в крайне необходимом практически всем цивилизованным людям знании языка искусства ибо многие знания и радости, скрываемые этим языком, остаются неизвестными большинству людей, делая их жизнь беднее и затрудняя принятие иногда не таких уж сложных практических решений. Это часть моей небольшой программы подготовки ЗРИТЕЛЯ, начало которой было положено еще в 80-х годах XX века. Это практический курс. Очень практический.Начну издалека. Кому-то это покажется ненужным и бесполезным, но все недавние -ИЗМЫ произошли от этих стилей давно ушедших времен, все заимствовали из них, а нынешний ПОСТ-МОДЕРНИЗМ, вообще, является местом, где сходятся все пути (надеюсь, только для того, чтобы разойтись). Определения будут простыми (надеюсь, искусствоведы меня простят) и понятными.

 

ДРЕВНИЙ МИР


Предварять наш список стилей, данный в историко-хронологической последовательности будет

Архаика

(от гр. archaikos — древний) — этим термином чаще всего обозначается ранний этап развития древнегреческого искусства VII и VI вв. до н. э.. (Возможно применение слова «архаичный» к другим по времени явлениям искусства, что будет означать их неразвитость, недостаточную сформированность художественного стиля. Именно несформированость единства художественных деталей и ставит произведения архаичного искусства вне, собственно, стилистического ряда).
Для эпохи архаики характерны массивные, монументальные каменные постройки и условные, словно застывшие в одинаковых позах, каменные статуи. Основные типы скульптуры — фигура обнаженного юноши-атлета (курос) и фигура девушки, изящно задрапированная складками одежды (кора). Загадочная «архаическая» улыбка бродит по их лицам. В это время были созданы основной тип древнегреческого храма — ПЕРИПТЕР (прямоугольное в плане здание с колоннадой вокруг него) и архитектурный ОРДЕР как средство создания образной выразительности сооружения. Период древнегреческой архитектуры характеризуется богатством скульптурных украшений. Архаика — время расцвета вазописи (чернофигурного и краснофигурного стилей), Эти вазы — обязательный атрибут разговора о Древней Греции. Однако, ни архитектура этого периода, ни знаменитые вазы не обладают достаточно развитыми приметами стиля. О стиле можно говорить лишь начиная со следующего исторического периода, известного под именем

 

Античность

(уже от латинского antiquus — древний) ЯВЛЕНИЕ СТИЛЯ
Итак, — Античное искусство. Оно включает искусство Древней Греции, а также тех стран и народов древнего мира, культура которых развивалась под определяющим влиянием древнегреческой культурной традиции: искусство эллинистических государств, Рима и этрусков.
Древняя Греция
Само понятие «АНТИЧНОЕ ИСКУССТВО» появилось позднее,- в эпоху Возрождения, когда прекрасные творения Древней Греции и Древнего Рима стало принято считать образцовыми, классическими для всей европейской культуры, что было, как мы увидим, отнюдь не случайно.
Начало стиля как такового было положено приблизительно в V в. до н. э. в Древней Греции, искусство которой стало одной из основ для общеевропейской культуры. Мировоззрение древних греков характеризовалось предельным рационализмом, поклонением логике, что вело к освобождению мышления от плена подражания и канонов. За внешней изменчивостью, неуловиостью земного древние греки усматривали гармоническое единство, незыблемый порядок, который олицетворяла для них небесная сфера. Совершенство чувственного мира воспринималось как преходящее, ненадежное в сравнении с вечной, неуязвимой красотой. Древнегреческая культура обрела точку опоры в этом относительном колеблющемся мире, приняла присутствие абсолютной гармонии, устремленность к которой вызвала к жизни могучую творческую энергию и привела к открытию красоты, которой греки присвоили ярко выраженный осязаемый, телесный характер. особенностью миропонимания эллинов стал АНТРОПОМОРФИЗМ. В формулировке Протагора (Протагор из Абдеры , греч. софист, первый присвоивший себе это название; 480-411 до н.э. или Р.Х.) это прозвучало примерно так: «Человек есть мера всех вещей».
Возможно из-за относительно бедной на тот момент традиции, эта зависимость искусства от современных ему событий выглядит более выпуклой , чем в последующие эпохи. В пустой комнате даже небольшой предмет — заметен… Так, победа в греко-персидских войнах 499 – 449 гг. создавала естественное чувство благодарности богам-покровителям, а прилив богатства, обусловленный последовавшим периодом мира, давал и необходимые средства для выражения этого чувства в постройке новых и новых храмов. Кроме того, окончательное оформление классического рабовладения и развитие полисной демократии, способствовали подъему экономической и политической жизни, патриотизму и росту гражданского самосознания Греции в V в. до н. э. Повышение политической роли Греции приводят к зарождению в архитектуре Афин тенденции к появлению единого панэллинистического (общегреческого) стиля архитектуры, ярчайшим образцом которого является Парфенон, построенный в 447 – 432 гг. до н э.
Памятники древнегреческого (Античного периода) искусства дают нам эстетическое наслаждение и яркое представление о единстве, синтезе архитектуры и скульптуры.
С конца IV в. до н. э. приходит более сложное миропонимание, обостряется интерес к раскрытию внутреннего мира человека, передачи могучей энергии, динамики образа, его правдивости (скульптуры Скопаса, Праксителя, Леохара, Лисиппа). Как следствие в искусстве этого времени отмечается увлечение многофигурными композициями и колоссальными размерами статуй.
Три последних столетия существования греческой цивилизации называют эпохой ЭЛЛИНИЗМА. Заканчивается гегемония Афин. Возникают и терпят крах государства, но развиваются науки и культура. Зодчие создают ансамбли городов с правильной планировкой. Скульпторы в своих творениях воплощают торжество побед (Ника Самофракийская, Пергамский алтарь). Всемирно известная статуя богини любви и красоты — Венера Милосская (скульптора Александра) покоряет возвышенной красотой и пластическим совершенством.
Наследником художественной культуры эллинской цивилизации стал Древний Рим, который прошел за восемь столетий в результате успешных завоеваний исторический путь от маленького города до столицы огромного государства — могущественной Римской империи.

Древний Рим

С 510 г. до н. э. ведет свою историю древнеримская эпоха. Римляне- воины, мудрые правители, прагматики – приспосабливали искусство к своим практическим потребностям. Поэтому Рим – это воплощенная утилитарность. Вместо древнегреческой живой пластики в произведениях древних римлян доминируют символика и аллегория. Римляне охотно принимали в свой пантеон всех богов, героев, художников, все стили и формы искусства. Но, в то же время, римская архитектура была очень самобытна и величествена, и, как римское искусство в целом, резко отличалась своими мужественными формами от современной ей греческой. Однако , римляне высоко оценили науку, литературу, театр, архитектуру и скульптуру Древней Греции и внесли свой вклад в дальнейшее развитие художественной культуры древнего мира.
После завоевания Греции в Рим ввозились в огромном количестве греческие статуи и картины. Большой приток греческих шедевров и массовое копирование (собственно, многие, если не большинство древнегреческих скульптур известно лишь в виде римских копий) тормозили развитие собственно римского стиля, в области которого наблюдается даже некоторое возвращение к архаической простоте, но затем безгранично царит пышность эллинистического искусства. Это объясняется тем, что Рим находился под сильным влиянием императора и его двора. Для этой эпохи было характерно стремление возместить отсутствие оригинальности колоссальностью размеров или драгоценностью материала – разноцветного мрамора, порфира, базальта и в этом сказывается влияние и поздней греческой (эллинистической) традиции, и, очевидно, влияние Востока, до которого дотянулся Рим.
Особого внимания заслуживает искусство римского скульптурного портрета, отличающегося точной характеристикой и жизненным правдоподобием образов.
Основным фактором, повлиявшим на формирование стиля в период августовского классицизма (I в до н. э.) стал личный вкус и воля императора Августа, который требовал украшать город, воздвигать новые памятники, восстанавливать и улучшать старые. В архитектуре главным качеством стала декоративность. В искусстве скульптурного портрета исчезла чувственность образов, ее сменял классицизм с рационалистичностью, вместо естественности и непринужденности усиливались ноты официальности, что вполне отвечало культу императора. В годы Августа портретисты сглаживали индивидуальное своеобразие, подчеркивали в нем нечто общее, свойственное всем, уподобляя одного подданого другому, по типу, угодному императору. Это было время строгой академичности, консерватизма, отточенности и ясности форм. В это время, например, была введена в обиход аркада, состоящая и ряда «римских ячеек», из которых и был построен в 75 – 82 гг. знаменитый Колизей (иллюстрация).
Спад конца II – III вв. н. э. — смена императоров, отпадание провинций, появление в различных частях империи самостоятельных правителей – привели также к кризису античной культуры: низкому уровеню грамотности, огрублению нравов, пессимизму. В этой связи еще заметнее единство Античной культурной традиции (Античного стиля), еще более очевидна и утрата Римом целостности художественного восприятия мира, свойственного грекам и попытки утвердить свое родство с греческим миром. Именно это нередко заставляло их создавать грандиозные по масштабам сооружения, чтобы, таким образом, восполнить ограниченность своих возможностей в сфере пластики трехмерного образа. Осознав понятие СТИЛЯ , римляне трансформировали и развивали его. Отвлеченный идеализм греческой скульптуры был постепенно вытеснен искусством римского скульптурного портрета. Однако, потеряв в значительной мере способность радоваться мирозданию Римская культурная традиция постепенно пришла в упадок подчинившись безжалостной власти времени и невозможности для человека его остановить.
Риму удалось создать яркую, самобытную, оригинальную архитектуру, в целом, его искусство впитывает в себя все, что может быть полезным, руководствуясь прежде всего присущим им практицизмом. В эту эпоху искусство стало государственной деятельностью. Это может нравиться или не нравится , но именно Рим сохранил, систематизировал и отточил в своем искусстве те художественные элементы (пусть и ценой утраты некоторых из них) древнегреческого и эллинистического искусства, которые слившись с собственно искусством Рима и дали европейской цивилизации мощный фундамент, позднее названный итальянскими гуманистами XV века АНТИЧНЫМ ИСКУССТВОМ.
Античное искусство сильнейшим образом повлияло на развитие искусства последующих эпох; трудно переоценить его значение для развития западной цивилизации (см.ниже: барокко, классицизм, ампир). Оно подарило нам саму возможность говорить о «СТИЛЕ».

СРЕДНЕВЕКОВЬЕ


Романский стиль

(от лат. Romanum — римский).
На обломках Римской Империи возникал другой мир… На просторах большей части этого мира возник художественный стиль, связанный с античной культурой Рима и получивший распространение в странах Западной и Центральной Европы в период раннего средневековья (X- XIII вв.). Романский стиль объединил в единое целое все виды искусств: монументальную живописъ и скульптуру, неразрывно связанную с архитектурой, декоративно прикладное искусство. Средневековая цивилизация формировалась в атмосфере постоянного беспокойства, недоверия , неуверенности. Человек остро переживал зыбкость, неустойчивость земного бытия, осознавал гигантский разрыв между божественной и человеческой действительностью. В противовес земному хаосу, раздорам, разладу он пытается целенаправленно создаваться островки устойчивости, стабильности, умиротворенности, олицетворяющие образ незыблемой гармонии в виде романских неприступных соборов, замков, монастырей. Для архитектурных сооружений нового типа использовали камень и большемерный кирпич, как бы, защищаясь от окружающего хаоса прочностью, надежностью, основательностью. Толщина и непробиваемость стен были одним из важнейших критериев совершенства постройки. Романское понимание красоты представляло собой сплав рационального художественного мышления и религиозного чувства. Его характерными чертами были стремление к монументальности, мощности пластических объемов, логичности, ясности, лаконизму, простоте, целесообразности. Главным видом искусства и в этот период была архитектура. Романский храм — базилика, как правило, трехнефная — строился из тщательно отесанного камня и производил впечатление массивного и сурового сооружения с ясными, четко выявленными объемами и внушительными башнями по сторонам западного фасада и хора. Внутри базилика освещалась из окон центрального нефа, который был шире и выше боковых. В плане романский храм напоминал латинский крест. В центре средокрестия помещался алтарь, а над ним на высоких арках возводился купол, над которым снаружи возвышалась башня. Ясность силуэта, преобладание горизонталей, спокойная, суровая сила романского зодчества были ярким воплощением религиозного идеала этого времени, говорившем о грозном всемогуществе Божества.
Строгая тектоничность и функциональность не способствовала использованию изобразительных средств, разнообразных декоративных элементов.
Романский менталитет был еще слишком близок к проблемам материального мироустройства. В нем ощущалась тяжесть земного притяжения, давление утилитарных сиюминутных установок. Это лишь первая форма выявления Абсолюта, первый шаг к Богу. Об этом свидетельствовали и господство горизонтальной линии, и элементы мифологического, непроясненного, несфокусированного сознания, воплощенного в романском искусстве. Так, например, каменная резьба, украшавшая наружные стены соборов, состояла нередко из растительного и зооморфного орнамента, изображений мифологических чудовищ, экзотических животных, птиц.
Главная особенность романской эпохи – открытость внешним влияниям. В то время в общественном сознании единственно возможным целостным государством была Римская Империя, но в то же время первые франкские короли после падения столицы Западной Римской Империи признавали почетное верховенство Константинополя — столицы Византии.

Византийское

 

искусство исторически полностью лежит в русле Романского стиля, полноправно участвуя в его созидании. Гораздо более чем западный Романский стиль, византийский корреспондируется с искусством античности, создавая, однако, свой мир, просуществовавший приблизительно с I по XV вв. Главной задачей мира Византийского Искусства стало не отображение земного мира, а проникновение за пределы земных вещей, в мир божественный. Устремление к Идее, к Бесконечности стало для византийцев важнейшей эстетической задачей. Если античный храм был перекрыт плоской крышей, то в византийской церкви над центральным кораблем возвышался купол, возносивший зрителя ввысь, к небосводу, — и это конструктивное решение воплощало в себе основной эстетический принцип византийского стиля.
Античность создала идеал гармонической личности, христианство отважилось увидеть в мире дисгармонию и диспропорциональность. Поэтому вопреки внешней приверженности к античным традициям византийское искусство создает принципиально новый эстетический идеал: не гармоническое единство тела и духа, а противоречие плоти и души, причем именно духовное начало оказывается господствующим . Античного художника влекла гармоничная красота обнаженного тела, византийцы предпочитали скрывать тело под тяжесть торжественных одежд, так как для них тело как вместилище греха не могло быть прекрасным. Уходя от гармонии, византийский художник не боялся ни уродливых лиц, ни нарушения пропорциональности, более того, введение диспропорций становится художественным приемом.
Творчество Византии было обращено к внутреннему миру человека и его вере в единого Бога. Поэтому красота византийской архитектуры сосредоточена внутри. Снаружи византийские церкви выглядят аскетично, сурово, иногда даже мрачно (иллюстрация).
В эстетике Константинополя отделенность Бога от материального мира, греховного земного существования порождала пессимизм и мрачные настроения. Византийцев преследовал страх смерти и боязнь греха. Героем был отшельник, спиритуалист. На фоне безудержной роскоши и светских развлечений императорского двора эта коллизия казалась неразрешимой. Отсюда – противоречие эллинистических художественных форм и иррациональной христианской идеи, а также принципиальный символизм позднейшего византийского искусства. Традиции эллинистического антропоморфизма были слишком глубоки, чтобы исчезнуть совсем, поэтому в искусстве Византии, сохранявшем крепкую античную основу, главным объектом изображения оставался человек.
Общим было понимание декоративно-прикладных изделий романского стиля — чеканка, литье, эмаль, ткачество, ковроделие, резьба по дереву и кости — отличаются массивностью, суровой мощью форм, яркостью цвета. Романский стиль ярко проявил себя в искусстве книжной миниатюры.
Значительное развитие романский стиль получил во Франции, в Германии, Италии, Испании, Англии. Строгие романские храмы романо-германского ореала, тянущиеся к небу купола византийского мира, — все это и привело к тому, что в соединении сторожевых башен римских военных лагерей с греческими базиликами, византийским орнаментом и готическими шатрами и возник новый – романский – архитектурный стиль, распространившийся на всю Европу. Во многом противоречивый этот стиль подготовил ГОТИКУ, которая пришла ему на смену в середине XIII века.

Готика

(итальянское gotico — букв. готский, связанньй с германским племенем готов) — художественный стиль, возникший в середине XII в. во Франции и распространившийся в Западной, Центральной и частично в Восточной Европе. Готика завершила развитие европейского средневекового искусства и возникла на основе достижений романской культуры. Термин «ГОТИКА» также утвердился в эпоху Возрождения для обозначения всего средневекового искусства, считавшегося «варварским».
Готическое искусство было культовым по назначению и религиозным по тематике. В эстетическом мировосприятии этого времени снова доминирует культ Абсолюта, понимаемый , однако, отлично от греческого «гармонического единства». Главная цель – прозреть божественное присутствие во Вселенной, ибо весь Универсум является произведением Бога, созданного по законам совершенства. Искусство ГОТИКИ обращалось к высшим божественным силам, вечности, христианскому мировоззрению.
Ведущее место в мироощущении готического сознания занимал собор, вокруг которого и сосредотачивалась жизнь. Конструктивной основой собора служил каркас из столбов и опирающихся на них стрельчатых арок. Возникнув однажды из практической потребности разрешения конструктивной, нехудожественной задачи – облегчения сводов, в кратчайшее время, когда были достигнуты пределы легкости строительной конструкции этот стиль вышел за границы рациональности. Формы архитектуры стали выражать не прочность и устойчивость, а христианскую идею устремленности ввысь, к небу – в высоты духа. Готика превратилась в мистический, иррациональный стиль художественного символизма. так как изобразить, запечатлеть невидимый, сверхчувственный мир можно было только с помощью символических образов. Например, готический храм олицетворял крест, на котором распяли Христа, розетки с алмазными лепестками ассоциировались с вечной розой, листья которой – души всех искупленных.
Вынесение наружу конструктивных элементов, поддерживающих крестовый свод, позволило создать огромное, несоизмеримое с человеком, пространство интерьера. Стены собора были прорезаны огромными окнами с многоцветными витражами, которые в таинственном полумраке интерьера светились яркими красными, синими, желтыми красками, создавая особую духовную атмосферу. Человеку, находящемуся в храме, должно было казаться, что почва уходит у него из-под ног, пространство действительно непознаваемо, а сам он летит в бесконечные миры. В эстетическом мировосприятии этого времени снова доминирует культ Абсолюта, сосредоточенный, правда, на отличных от греческого Главная цель – прозреть божественное присутствие во Вселенной, ибо весь Универсум является произведением Бога, созданного по законам совершенства.
Устремленность собора ввысь подчеркнута гигантскими ажурными башнями, высокими стрельчатыми арками, порталами и окнами, многочисленными удлиненными статуями, богатыми декоративными деталями. Небывалый по высоте и размерам собор возвышался над городом и мог вместить порой все его население. Все это оказывало сильнейшее эмоциональное воздействие на верующих.
Готический собор идеальным образом подходил для синтеза искусств: скульптур, витражей — главного вида готической живописи, декоративного искусства (резьбы по камню, дереву, кости и др.). Порталы и алтарные преграды были сплошь украшены статуями, скульптурными группами, орнаментами, фантастическими фигурами зверей («химерами»). Лучшие статуи святых и аллегорические фигуры были отмечены глубокой красотой духа. Застылость и замкнутость романских скульптур сменились подвижностью, ритмическим богатством пластики фигур, их обращенностью друг к другу и к зрителю.
Особое внимание к человеку и его эмоциям, отражающим сложный драматизм жизни, трагическим сценам страдания и смерти уделялось в искусстве поздней готики (XIV-XVI вв.). Это время было отмечено быстрым развитием градостроительства, сооружением ратуш, торговых рядов, дворцов, особняков, жилых зданий. Все они украшались сложнейшим декором, подчеркивающим вертикальность линий. Символико-аллегорический строй искусства сочетался с новыми духовными устремлениями, расширялся интерес к реальному миру, природе и, как следствие этого, распространялись скульптурные и живописные портреты и пейзажи, отличающиеся индивидуальными чертами, одухотворенностью и возвышенностью образов.
Эпоха готики — время расцвета книжной миниатюры, эмалей, художественного ткачества, декоративных изделий из серебра, драгоценных камней, слоновой кости и др. Готический стиль объединил в единый ансамбль художественные предметы быта, мебель, одежду, украшения и архитектуру.
В искусстве готики органически переплелись лиризм и трагизм психологических переживаний, возвышенная духовность и социальная сатира, фантастический гротеск и точные жизненные наблюдения.
Выдающиеся произведения готической архитектуры: во Франции (собор Нотр-Дам в Париже, соборы в Реймсе, Амьене, Шартре); в Германии (собор в Кельне); в Англии (Вестминстерское аббатство в Лондоне) .
В целом, можно сказать, что средневековье характеризуется тем, что впервые в истории искусство формировалось и развивалось в сфере единого для всех народов Европы христианского мировоззрения, сутью которого были символизм и аскетизм, порождавшие крайнюю экспрессию художественных образов. Влияние церкви, распространяясь на все сферы жизни средневекового человека, естественно определяло направление и содержание художественного творчества, ограничивало искусство своими догматами. Христианство действовало как универсальная сила, накладываясь на специфику национальных культур. Это находило выражение в особенностях архитектурных форм и приемах изобразительного искусства, орнаментах, сочетаниях цветовой гаммы и т. д. Основная же цель ГОТИЧЕСКОГО искусства — стремление к божественной красоте, которая воплощена в гармонии и единстве природы.
Постепенно, но неизменно возрастающий интерес к реальности, наблюдению и изучению натуры, к человеческим чувствам и характерам, возрастание роли личности художника, известность имен авторов великих творений XV в. — все это подготовило почву для ренессансного мировоззрения.
В XV- XVI вв. эпоха готики подхлдит к концу.

Возрождение

 

Выше уже говорилось о том, что стиль всегда передает особенности времени, в которое он возникает и развивается, чаще всего реализуя это через воплощение идеалов творцов. Эпоха Возрождения (XV – XVI вв.) представляет собой яркий пример такого взаимодействия искусства и действительности, она была преобразованием умов, но не жизни. Возрождение, Ренессанс (французское renaissance — возрождение) — одна из величайших эпох, переломный этап в развитии мирового искусства между средними веками и новым временем. Эпоха Возрождения охватывает XIV- XVI вв. в Италии, XV-XVI вв. в других странах Европы. Свое название — Возрождение (или Ренессанс) — этот период в развитии культуры получил в связи с возрождением интереса к античному искусству. Однако художники этого времени не только копировали старые образцы, но и вкладывали в них качественно новое содержание. Строго говоря, ренессанс нельзя считать художественным стилем или направлением, так как в эту эпоху существовали различные художественные стили, направления, течения, лишь питавшиеся из одного источника. Это позволяет говорить о стилестическом единстве искусства Возрождения в высшем смысле, и именно высший смысл главенствует при оценки роли Возрождения. Эстетический идеал эпохи Возрождения складывался на основе нового прогрессивного мировоззрения — гуманизма. Реальный мир и человек провозглашались высшей ценностью: Человек — мера всех вещей. Особенно возросла роль творческой личности. В действительности же реальная жизнь даже наиболее передовых городов того времени была полна средневековой жестокости, войн, заговоров, кровопролитий. Лучшие годы флорентийского искусства, когда были созданы самые светлые произведения Итальянского Возрождения – это время гражданской смуты, дворцовых интриг, смертей от яда и кинжала, а период так называемого Высокого Возрождения в Италии, охватывающий всего около двадцати лет начала XVI столетия, буквально потонул в море крови из-за «охоты на ведьм», пик которой приходился на 1484 – 1650 гг.
В эпоху Возрождения под влиянием технических достижений и научных открытий кардинально менялся образ жизни людей, их мироощущение. В это время на смену феодализму приходит капитализм, средневековому жизненному укладу – технологический, начинается Начинается полоса буржуазных революций. Внешние войны объединяют феодалов в единые централизованные государства. Европейские нации начинают осознавать себя как народы, имеющие общие корни, язык, традиции.
Художники Возрождения видели свой идеал в античном искусстве. Великие творения античности восхищали людей, привыкших к мрачным образам средневековья. Кроме того, для человека эпохи Возрождения характерны рефлексивность, способность к осознанию себя и мира, понимание жизненных противоречий, стремление к осмысленности не только индивидуального существования, но и цивилизации в целом, которые свойственны и античному человеку.
В это время более самостоятельными и независимыми от церкви становятся искусство, философия, литература, образование, наука. Церковные догматы перестают довлеть над содержанием произведения, оно освобождается от средневекового аллегоризма. В то же время Возрождение не было еще во власти материалистического рационализма и аттеистического нигилизма. Христианство, как таковое, продолжает оставаться источником многих прозрений и откровений, однако центральное место в идейной системе общества теперь занимает человек. В качестве идеального человека признавалась сильная, талантливая и всесторонне развитая личность, человек-творец самого себя и своей судьбы. Живописцы и скульпторы воспевали красоту тела человека, одухотворенность его лица, индивидуальные особенности, их внимание привлекает реальный земной мир. В этом наблюдается некое эстетико-идейное единство христианских творцов Возрождения с язычниками Древней Греции. Для живописи эпохи Раннего Возрождения характерно использование скупых пластических форм для передачи глубины переживаний человека и нового ощущения человеческого достоинства.
Однако в эпоху Высокого Возрождения выдающийся художник Леонардо да Винчи преодолевал натурализм живописи Готики и Раннего Возрождения. Он изображал пластическое движение, устраняющее холодность рациональной гармонии, пытался преобразить конкретное в идеальное (Приложение, рис. з). Основной в искусстве Возрождения была дилемма: как изобразить величие духа через движение форм человеческого тела, которую стремился разрешить скульптор Микеланджело Буанарроти. В его скульптуре «Давид» наиболее ярко отразился художественный конфликт телесной языческой красоты и духовного пафоса нового христианского искусства Возрождения (Приложение, рис. и). А в архитектуре в это время появился интерес к созданию гармонических конструкций в противовес устремленным в духовные выси контурам готических храмов.
В Италии в 40-е годы XVI в. была реорганизована и усилена инквизиция, преследующая деятелей гуманистического движения. Сжигались запрещенные книги и многие передовые ученые и мыслители погибли на костре. Многие живописцы, поэты, скульпторы, архитекторы отказались от идей гуманизма, стремясь усвоить лишь манеру великих деятелей Возрождения. Так возник в европейском искусстве художественный стиль маньеризм, связанный с кризисом художественных идеалов эпохи Возрождения, который характеризуется превалированием формы над содержанием. Маньеризм отличают субъективизм, вычурность, изощренность формы, в нем наблюдается усталость стиля, исчерпанность его жизенных источников.
Возрождение – переломная эпоха стремительного изменения «картины мира», существенного преломления идей, творческих устремлений, идеалов, нравственных и эстетических критериев, выражающихся в поисках новых форм, критического отношения к недавнему прошлому. Однако явления общественной жизни не нашли широкого отражения в искусстве Возрождения. Идеи черпались, как правило, из античности, гармония которой обещала твердую опору в меняющемся мире. Основой идеологии Возрождения стала идея безусловного приоритета индивидуальных ценностей, человек мыслился как свободное творческое существо с неограниченными возможностями, как венец творения.
Искусство эпохи Возрождения начинается как синтез античности и средневековья. Искусство Возрождения соединило в единое целое телесность и духовность человеческого существа, открыло дорогу для создания образа совершенного человека и тем самым оказало великую услугу социальному погрессу. Бурный процесс развития гуманистической культуры Возрождения, начинавшийся в Италии XVI в., имел черты, своеобразие которых заключалось в том, что человек в искусстве итальянского Возрождения предстает как всемогущая личность, как существо, господствующее над миром. В творениях мастеров Высокого Возрождения Микеланджело и Леонардо да Винчи человек – властелин мира. Это своеобразня метаморфоза христианского богочеловека, из которого изъята его мистическая и чисто религиозная сущность.
Когда средневековый гуманизм исчерпал себя, когда один источник силы, могущество Бога, иссяк человек нашел другой источник в самом себе, поставив себя на место Бога, осознав, что те силы в себе, которые он воспринимал как нечто относящееся к божеству, являются вполне человеческими.

НОВОЕ ВРЕМЯ


Барокко

Стиль барокко сформировался вслед за плеядой разрушительных войн, в условиях социальной несправедливости, на почве контрреформации и просуществовал с 1600 по 1750 годы. Барокко воплотил в себе чувство падения ренессансных идеалов, а также обостренное осознание социальных, религиозных и экономических кризисов, переживаемых Европой в эту эпоху. И хотя художественная коцепция барокко и сохраняет гуманистическую направленность Возрождения, но, в отличие от последнего, она отмечена печатью трагизма, пессимистичности, бессмысленности жизни, сомнением в силе человека, обреченностью существования. Возрождение восхищается человеком и его бытием, барокко сомневается в ценности жизни, воспринимая ее как театр.
Это было время болезненных изменений мировоззрения, неожиданных поворотов человеческой мысли, отчасти вызванное великими географическими и естественно-научными открытиями. В это время было изобретено книгопечатание, открыта Америка, найден морской путь в Индию, начала завоевывать признание гелиоцентрическая астрономия. Все эти события разрушали прежние привычные представления о замкнутом и неподвижном мире, в центре которого находится Земля и сам человек. То, что раньше казалось абсолютно ясным, незыблемым и вечным, стало буквально рассыпаться на глазах. Данные науки приходили в противоречие с опытом и видимым образом мира. Произошел бесповоротный психологический надлом.
Стиль барокко медленно вызревал в архитектуре и скульптуре Высокого Возрождения. Его основателем стал Микеланджело, поскольку в его статуях, зданиях, рисунках происходит, одновременно, возврат к духовным ценностям Средневековья и последовательное открытие новых принципов формообразования. В его произведениях впервые проявился один из первых признаков искусства барокко: избыточность средств и смешение масштабов. По его проекту был построен собор Святого Петра в Риме, монументальный декор которого создал Л. Бернини.

В это время возникла идея о том, что чем неправдоподобнее произведение искусства, чем резче оно отличается от увиденного в жизни, тем оно интереснее с художественной точки зрения. Все ясное и простое стало казаться скучным и унылым, а необычное, неясное и призрачное красивым, привлекательным, и именно это понятие красоты стало основой стиля барокко.
Эпоха барокко – это мир крайностей, контрастов возвышенного и земного, прекрасного и низменного, пышной метафоры и уродливого факта. Драматизм стиля барокко заключается в столкновении языческого мироощущения и чувственности, накопленной эпохой Возрождения, с духовными порывами, откровениями, стремлением вырваться за физические пределы материи. Новые художественные идеи высвобождались от сковывающей их обыденной реальности, условий правдоподобия, классических канонов. Это позволяло устранять материальные ограничения: зрительно прорывать плоскость стены или потолка, игнорировать обрамления, конструктивные членения архитектуры, либо создавать из них новые, иллюзорные. В некотором смысле барокко – это возврат к идеалам готики. Тот же органический рост форм, та же динамика, иррациональность, преобладание вертикали над горизонталью, но стиль барокко не только сохранил, но даже усилил чувственное начало архитектуры. Повышенная экспрессивность, мистицизм, иллюзионизм, имматериальность, свойственные католическому мироощущению нашли свое отражение в барокко.
В эпоху барокко мировоззрение человека не просто было расколото, но окончательно потеряло цельность и гармоничность. Мировоззрение, мироощущение человека постигло глубину, внутреннюю противоречивость бытия, человеческой жизни, мироздания. Барокко – это пышность, декоративность, величие, замысловатость, текучесть, порыв, страсть, экстаз, артистизм, личностность. Несмотря на это, автор не скравает своей любви к БАРОККО и, более тоЧо, считает всякое настоящее искуссство не лишенным тех или иных Барочных качеств, ибо противоречивость Барокко — не наша ли человеческая противоречивость? А иные качества Барокко? А желание возвышенности и лиричности… Нет , автор очень, очень любит Барокко.

Классицизм

В XVII в., когда во Франции установилась неограниченная власть монарха, которая достигла апогея при Людовике XIV, сформировалось художественное направление, охватившее все виды художественного творчества – Классицизм.
Классицизм, основанный на следовании принципам античного искусства: рационализма, симметрии, целенаправленности, сдержанности и строгом соответствии содержания произведения его форме, стремился выразить возвышенные, героические и нравственные идеалы, создать ясные, органичные образы. В то же время классицизм нес в себе черты утопизма, идеализации, отвлеченности, академизма, нараставшие в период его кризиса.
Абсолютизм в политике Франции ограничивал личность государственными интересами, заставлял индивидуальное приносить в жертву общественному. Классицизм был тесно связан с придворной аристократической культурой периода утверждения французского абсолютизма. Идеологическая основа классицизма включала в себя идеи патриотизма, государственного служения, воссоздания человека, способного поставить высокие цели и достичь их, предпочесть собственным интересам общественные. Идеологи классицизма считали, что чувства должны ограничиваться разумом, личному счастью нужно предпочитать установленные обществом нормы морали .
Отдельно следует упомянуть о так называемом «Большом стиле»( не путать с понятием «БОЛЬШОЙ СТИЛЬ»), стилистическом направлением, сформировавшимся и получившим распространение во Франции в годы правления Людовика XIV – с 1643 по 1715 гг. В этом стилистическом напрвылениии соединились элементы классицизма и барокко. Своеобразным строем «Большой стиль» выражал идеи торжества сильной, абсолютной королевской власти, национального единства, богатства и процветания. Художникам давались прямые указания прославлять неограниченную власть, не считаясь со средствами. Новые идеалы абсолютизма и должен был отразить «Большой стиль». Им мог быть только классицизм, ассоциирующийся с величием древних греков и римлян. Но строгий и рациональный классицизм казался недостаточно пышным для выражения торжества абсолютной монархии. В Италии в это время господствовал стиль барокко. Поэтому закономерно, что художники Франции обратились и к формам современного итальянского барокко. Но во Франции барокко не могло столь мощно, как в Италии, вырасти из архитектуры классицизма. С эпохи французского Ренессанса XVI в. в этой стране утвердились идеалы классицизма, влияние которых на развитие искусства не ослабевало вплоть до конца XIX в. В этом состоит главная особенность «Большого стиля» .
Вторая половина XVII века во Франции примечательна еще и тем, что само понятие художественного стиля сложилось только теперь. Впервые в истории, во Франции эпохи Людовика XIV, стиль начал осознаваться важнейшей категорией искусства, эстетики, превратился в норму жизни – быта и нравов, пронизывая все стороны придворного этикета. Вместе с осознанием стиля приходит эстетитизация отдельных формальных элементов, воспитание вкуса, чувства детали. Пышность стиля придворного искусства создавала впечатление вечного праздника жизни. Большой стиль точно отражал содержание эпохи – но не действительное состояние, а настроение умов. Сам король мало интересовался искусством, он вел войны, истощавшие силы государства. И люди как будто старались не замечать этого, они хотели выглядеть такими, какими казались себе в своем воображении. В 1685 – 1701 гг. по проекту Ж. Ардуэна-Мансара в центре Парижа создана площадь Людовика Великого (позднее – Вандомская площадь), которая была задумана как парадный ансамбль в честь Короля-Солнца, как называли Людовика XIV.

Ампир

XIX в. во Франции начался господством холодного, помпезного, ныпыщенного стиля ампир, искуственно насаждаемого императорской властью Наполеона Бонапарта. Наполеон стремился к блеску и ореолу славы римских императоров. Если свободно возникший классицизм был ориентирован на демократические Афины периода классики века Перикла, то художникам французской Империи было строго указано брать за образец формы искусства Древнего Рима. Примитивность содержания и жесткость идеологических установок сделали ампир не художественным стилем в полной смысле этого слова, а стилем декорации и даже поверхностного камуфляжа. Основными категориями формообразования в искусстве стиля ампир стали историзм, нормативность, рационализм, декоративность, тектоничность, в поздних формах – открытый эклектизм, а преобладающими декоративными мотивами оставались атрибуты римской военной истории: легионерские знаки с орлами, связки копий, щитов и ликторских топоров. При этом основой ампирных построек служит, как правило, очень рационально спланированнпя кирпичная (реже деревянная) «коробка», делающая вочти все постройки Ампира вполне утилитарными удобными и универсальными в использовании .

Модерн

С середины XIX в. историко-культурные условия оказались неблагоприятными для формирования нового стиля и прогрессивного художественного мышления, и художники видели источник современного стиля только в прошлом. Беда состояла в том, что исторические стили прошлого уже исчерпали внутренние возможности своего развития и были не способны более к естественному существованию. Опытные художники это понимали и старались «улучшить» эти стили, применяя новую школу рисунка, проектирования и технологию обработки материалов, но форма оставалась старой. В процессе борьбы с историзмом, стилизацией и эклектикой наиболее передовые художники своего времени создавали новый большой стиль – стиль МОДЕРН, утвердившийся в искусстве в 80—90 годы XIX века
Стиль модерн самым тесным образом связан с разными социальными факторами: обострением общественных противоречий, в некоторых странах приведших к революционным взрывам, техническим и промышленным прогрессом, развитием общественной мысли, философии, науки, литературы. Все течения искусства модерна объединяло общее, так называемое, мировоззрение «fin de sicle» – «конец века», отличавшееся, с одной стороны и растерянностью, духовной усталостью, кризисом идеалов, скептицизмом и самоиронией, а с другой – настоящими поисками нового большого стиля во всех сферах творческой жизни, стиранием границ между элитарным и массовым искусством (Приложение, рис. р).
В искусстве с большой силой проявился сентиментализм и пессимизм. Трагическая противоречивость, «безысходность» модерна состояла в том, что искусство этого периода разрывалось между идеальными устремлениями стилизации жизни, художественного синтеза, символизмом форм и рационализмом, прагматизмом технического века (Приложение, рис. с).
Искусство модерна завершило в начале XX века свой стилистический цикл развития. И художники следующего поколения не смогли создать свой стиль. Их отказ от идей художественности и привел к модернизму: конструктивизму, функционализму, абстракционизму. Поэтому искусство модерна часто называют последним большим художественным стилем. Мне кажется это не справедливым, помятуя о предстоящей эпохе КОНСТРУКТИВИЗМА.
Реформы во всех сферах общественной жизни, демократическое преобразование, просвещение, научная революция, утверждение рационализма привели к тому, что мировоззрение человека не просто раскололось, но окончательно потеряло целостность и гармоничность. В эпоху Нового времени необратимо на первое место выходит человек, потеснивший даже Бога. В Великой Французской революции 1789 – 1793 гг. этот процесс достиг апогея. Начиная с эпохи Просвещения главенствующей становится идея о том, что страсти должны быть подчинены велениям разума. В первые эта идея воплотилась в стиле барокко. Стиль классицизма продолжал развивать эту идею, однако теперь наравне с нею выступает пафос патриотизма, служения родине. Искусство становится более утонченным, изысканным и приобретает более интимный, камерный характер. Помпезный, холодный стиль ампир, призванный прославлять Наполеона Бонапарта, прервал развитие этих тенденций. Следующим оригинальным стилем стал стиль модерн, который сформировался в конце XIX века. Модерн стал реакцией наиболее передовых и просвещенных людей на «бесстилье» и пестроту художественных течений, наблюдавшихся в искусстве в течение нескольких десятилетий. Создатели модерна стремились противопоставить кризисным, противоречивым явлениям жизни, целостность и гармонию. Их творчество – это попытка «бегства от действительности» в мир идеальных образов и фантазий.

 

Кризис стиля

Конец XIX – начало XX характеризуется появлением огромного количества направлений, течений, концепций и художественных движений, среди которых импрессионизм, авангардизм, абстракционизм и другие. Однако при всем их внешнем разнообразии в целом все эти веяния в искусстве носят на себе яркий отпечаток историзма и эклектичности. В это время только личность обладала стилеобразующей силой, и именно это наряду с излишним интеллектуализмом, рационализмом и прагматизмом стало причиной серьезного кризиса искусства и больших исторических художественных стилей.
Крушение в XIX в. больших стилей знаменовало отказ от формирующих общественное восприятие канонов. Искусство и художники оказались свободными перед лицом потерявшего определенность сословного разделения общества. Никакие философские, религиозные или этические категории не формировали нормативов для художественного творчества. Отсутствие обязательных канонов освобождало эстетическое восприятие, принявшееся с энтузиазмом осваивать неведомые доселе сокровища тысячелетий.
Представители всех новых направлений претендовали на создание оригинального, нового искусства. Дальше всех в этом пошел авангардизм, включая такие его течения, как абстрактивизм, сюрреализм, дадаизм, поп-арт, оп-арт и другие, который вообще отрицал историческую традицию, преемственность и являл собой эксперементальный поиск новых форм и путей в искусстве. Однако при внимательном рассмотрении оказывается, что и авангардизм имеет свои истоки, поскольку он вырос из искусства периода модерна, в частности из символизма.
Для представителей авангардного искусства, независимо от национальности и творческой индивидуальности, в силу отрыва от исторической традиции характерно общее стремление к освобождению от целостности формы. Именно отсутствие целостности и откровенная эклектичность привели к тому, что за свою достаточно долгую историю искусство авангарда не смогло сформировать ни целостного художественного направления, ни стиля, ни школы.
И все же еще один Большой стиль возник на рубеже XIX и XX столетий. То ли предчувствуя мировую войну, то ли являясь ее порождением.

Конструктивизм

Мгновенно перевернув художественное сознание, создатели этого стиля положили в основу произведения не образ, но конструкцию, созидающую образ. Это дало потрясающий эффект. Война дала мощный импульс промышленным технологиям, чем не могли ни восхититься художники, а, восхитившись, — воспользоваться. Центром конструктивизма становиться послевоенная Европа, и в первую очередь наиболее пострадавшие в войне страны: Россия, Германия, Франция и Бельгия. В Европе появляются центры теории Конструктивизма (Баухауз, Вхутемас-Вхутеин) и целая кагорта архитекторов(дизайнеров)-конструктивистов. Возводятся знаменитые Дома-Корабли и компактные виллы. Надо признать некоторую сходность посылов Модерна и Конструктивизма: и при примате Образа, и при господстве Конструкции началом, объединяющим столь не похожие внешне стили является их происхождение от потребностей заказчика(человека). Хотя и человека разных исторических отрезков. Этот «гумманизм» и позволил этим стилям так долго существовать (вплоть до настоящего времени), хоть и сильно мимикрируя порой и загадочно переплетаясь. От их тайных и явных «браков» рождались и еще будут рождаться самые разные «дети»: и Ар-Деко и сегодняшний Минимализм. Но никто из этих протомков не достиг величия и искренности своих прародителей, в том числе и Сурово-романтического Конструктивизма, и не является т.н. БОЛЬШИМ СТИЛЕМ.

ЗАКЛЮЧЕНИЕ

В заключении, после того, как было рассмотренно искусство античности, Средневековья, Возрождения и Нового времени, можно с уверенностью сказать, что стиль синтезирует все те духовные и социально-экономические моменты, которые присущи конкретному историческому уровню развития общества. Но, тем не менее, рассматривать формирование и развитие того или иного стиля только в религиозно-историческом аспекте нельзя, так как существует независимость развития стилей от видимых проявлений общественного сознания.
Рождение наиболее крупных стилей искусства, определяется внутренней логикой развития художественного мышления человека, определенных способов видения мира, осознания свойств пространства и времени, в котором живет и действует конкретный человек. Кроме того, закон стиля осуществляется в эстетической сфере. Элементы стиля, подчиняясь его логике, выполняя его художественную «волю», воплощаются в многочисленных деталях художественного целого.
Чаще всего искусство соответствует не характеру цивилизации и условиям жизни, а лишь духу эпохи, ее идеалам, обычно либо обгоняющим, либо отстающим от этих условий. Поэтому и содержание конкретного художественного направления той или иной эпохи выражает как бы то, чем эта эпоха хотела бы быть, как хотели бы выглядеть люди в соответствии со своими мечтами и идеалами, но совсем не то, что они представляют собой на самом деле.
Художественный стиль не создается каждый раз заново. Потенциальные возможности возникновения того или иного стиля медленно созревают внутри предшествующей эпохи и могут проявиться в следующей при благоприятных исторических условиях. Новые стилеобразующие начала встречаются с устоявшимися стилевыми формами и в процессе более или менее органичного сочетания традиции и новаторства складывается новый стиль. Как кто-то сравнительно недавно отметил: «процесс истории культуры есть не только процесс изменения, но и процесс сохранения прошлого, процесс открытия нового в старом»
Относительная самостоятельность стиля в его художественном развитии приводит к тому, что на общей идейной основе могут складываться стилистические системы, в той или иной мере различающиеся между собой. Конечно, некоторая родственность стилей сохраняется и в этом случае, но, очевидно, что между стилем и историческими особенностями той или иной эпохи нет механической связи. Любой стиль несет в себе черты исторической эпохи, проявляясь в то же время только на индивидуальном уровне творчества конкретного художника. В душе художника всегда происходит взаимодействие между своеобразием его восприятия и тем искусством, которое уже существует.
Значит можно сказать, что художественный стиль не возникает стихийно из пустоты, и не является результатом воздействия какого-то единственного фактора, а формируется, обретает ясность и целостность под влиянием трех равноправных факторов – внутренней логики развития стиля, художественного мышления и воли художника, и исторических особенностей эпохи.

Andrew Pavlovskiy